Radio Onda Latina programa ¨Cool-turra-pop¨; por Agustina Salvador y Yanina Jara:
“Es un reflejo poético de la vida”
Sergio Bermejo llega a la cita con una sonrisa amplia. Razones no le faltan. Su puesta en escena de la obra de Mauricio Kartun La casita de los viejos (estrenada en 1982), está teniendo una fuerte y positiva respuesta del público. “Toco madera que todo siga así”, confiesa. Y lo cierto es que desde su estreno, cada función ha sido a sala llena y los espectadores se van con la sensación de haber sido parte de una experiencia de puro talento. Porque La casita de los viejos conjuga la contundencia de una dramaturgia exquisita, una puesta en escena clara y poética y la versatilidad de un elenco sin fallas.
Estrenaron el 2 de abril. ¿Cómo está yendo la obra?
Cuando decidí hacer esta obra le puse todas las fichas, pero fue más allá de lo que esperaba. Es una trama un tanto conflictiva, y a pesar de eso la gente sale muy contenta.
¿Por qué elegiste La casita de los viejos?
Yo siempre digo que cuando leo un texto me puede llegar a fascinar o no, pero entiendo que es totalmente potable cuando lo releo y me sigo emocionando y eso es lo que me pasó conLa casita de los viejos. Para mí Kartun es uno de los autores contemporáneos más importante de la argentina, sino el mejor. Y esta obra tiene mucho de él. Y además era un texto que hacía mucho tiempo que nadie lo estaba haciendo, y me pareció que era rendirle un homenaje.
¿Cómo definirías La casita de los viejos?
La casita de los viejos es un pedacito de la historia de cada uno de nosotros. En mayor o menor medida la gente se siente reflejada con lo que estamos contando. Es un pedazo de nuestra vida que me parece que vale la pena verlo como un espejo. Es una actitud poética. Es un reflejo poético de la vida.
La obra es un pequeño trabajo de arquitectura que requiere un elenco fuerte y uniformemente talentoso. ¿Cómo trabajás para que los actores te respondan de la manera en que lo hacen?
Creo que tiene que ver con lo que uno le brinda al actor, hablo desde el lado de director. Yo siempre digo que nunca voy a exigirle al actor algo que yo no pueda hacer o que yo no lo entienda. Mi trabajo consiste en hacerle entender al actor que lo que yo quiero trasmitir es un mensaje, quiero contarle algo a la gente, más allá de los personajes y de la obra. Mi tarea es trasmitirle al actor la historia que quiero contar, pero antes tengo que venderle al actor eso, y eso lleva tiempo. El trabajo individual es maravilloso porque cada uno sabe lo que estamos contando. Con este grupo se logró, es un grupo muy heterogéneo, tenemos gente joven, tenemos gente grande y se pudo engranar, y eso se nota.
¿Te ayuda el hecho de ser actor a la hora de dirigir?
Sí, claro, totalmente. Yo fundamentalmente soy actor. Soy director porque también me encanta la docencia, poder concretamente transmitir la poca o mucha experiencia que uno tiene, trasmitirla arriba de un escenario desde afuera. Me encanta la dirección. Es fundamental, es como con los directores técnicos, si no jugaste nunca a la pelota no le podés decir a una persona cómo se hace.
Tu personaje es un personaje muy fuerte…
Si, detestable. Cuando lo armé, sentía que este personaje, que a veces es extremadamente violento, tiene que ver con la imagen que tiene el hijo de él. El actor siempre defiende a su personaje, es como un hijo, entonces yo lo justifico a este tipo. Pero, no se si el padre era así, yo creo que es la visión del hijo. Cuando pasa el tiempo, uno ve todo exagerado, o todo era muy bueno, o era muy malo. Cuando armé este personaje lo armé desde ese lado. Rubén, que es el personaje en conflicto, lo ve así al padre, por eso hay un quiebre en el final. El padre demuestra el amor con la violencia, como puede.
La puesta en escena resulta un relojito, todo parece perfectamente planeado…
Tiene que ver con una cuestión visual. Cuando hago una puesta en escena pienso en lo que va a ver el espectador. Intento no dejar ningún hilo suelto. Por ejemplo, la obra transcurre en la década del 50, la radio que uso para escuchar el partido es una spika, no puede ser otra radio. Quizás algunas personas no lo ven, pero un hincha como yo sí, así que todo eso suma.
¿Cómo es la historia del Grupo Teatral Tedrys, del que sos fundador?
Yo empiezo a dar clases en 1994. En el 98’, allá en zona norte, decido crear un taller de teatro, pero también darle un nombre y ese nombre es Grupo Teatral Tedrys. En 2005 comienzo a trabajar a nivel municipal, pero sigo manteniendo el nombre del grupo, porque es una forma de darle identidad. Actualmente estoy dando clases en Munro y en Olivos. La idea es sostenerlo más allá de las personas, incluso mas allá de mí. Soy el administrador del grupo, pero no el dueño. Todos somos un poco dueños, los que se fueron y los que vengan este año también.
¿Cómo funciona el grupo?
Todo el mundo que se acerca al grupo trabaja, no solamente como actor, sino también en todo lo que es producción. Para este proyecto elegí a los actores que entendía que podían dar el physique du role de los personajes y que además tienen las condiciones actorales para eso. Además de las condiciones actorales, lo importante son las condiciones como persona. Todo lo que se ve reflejado en la obra tiene que ver con eso.
¿Cuál es tu secreto para la dirección de actores?
Predico con el ejemplo, nunca voy a exigirle algo a alguien que yo no pueda hacer y que no se lo pueda justificar. Además, creo que es imprescindible darle la libertad al otro para que pueda hacer lo que quiera. Después eso se moldea. Más en un hecho artístico, hay que darle libertad al actor para que haga lo suyo.
¿Hasta cuándo estará la obra en cartel?
La inercia que tiene el grupo y la obra nos exige continuar. Esto todavía da para mucho más. Esto recién empieza.
